吐血推荐：戛纳金棕榈大奖《阿诺拉》与众不同的声音设计

这部电影的结尾突然间爆发出一种非常强大的情感冲击，这是由多种因素共同促成的。但我认为声音在其中起到了至关重要的作用。能否请你们从声音的角度聊一聊这部影片的结尾？以及在创作过程中，你们的创意方法和投入是什么样的？

关于电影的最后一个场景，我们始终能听到那辆奔驰车的引擎声在背景中运转，对吧？这声音将我们牢牢地固定在现实主义的基调上。还有车内皮革座椅的移动声，随着角色在车内的活动，这些声音听起来非常真实、有机，而且贴近生活。当我们构建这个场景时，我们注意到在原始录音中有雨刷的声音，伴随着前挡风玻璃上的雨刷来回摆动。而随着拍摄的推进，车上的积雪越来越多，雨刷的声音也发生了变化。雨刷原本会发出那种吱吱的刺耳声音，但随着时间的推移，这种刺耳感逐渐减弱，变得不那么令人烦躁、不再那么刺激听觉，而是慢慢变得更柔和、更平静。

在我们处理这个场景时，我们注意到了雨刷声音这种动态变化的特性，以及它的音调如何随着时间推移而发生变化。它从一种强烈、刺耳的声音，逐渐变成了一种平静的声音。当这个声音最终达到它的终点时，我们得到了一个灵感：可以利用这个元素来扩展和发展它，用它来为这个场景做情感上的衬托。

在这部电影中，是没有传统音乐配乐的。导演Sean Baker通常不会使用传统配乐，而是更倾向于使用针式插入的音乐（needle drops），有些时候这些音乐确实起到了配乐的作用，但很多时候并没有。因此，我们在很大程度上依赖声音设计来充当电影的“配乐”。在这个场景中，我们发现了一个非常清晰的机会：用来自制作现场的一个声音元素——那辆车、那片积雪、那只雨刷——这个音调的特性，让我们能够以此为基础，进行构建和延展，从而用它来呼应场景的情感内容，并为这个场景“配乐”。

我们挑选出那些拥有这种特质的声音片段，这些片段有一定的形状和变化，然后我们对其进行了加工和构建，使这个雨刷声形成一个更长的声音发展过程。它随着雨刷刮擦玻璃时发出的吱吱声和令人烦躁的噪音逐渐变化。而最终，当Annie逐渐接受了她的现实，并最终释放一切，深呼吸并真正感受这个时刻的冲击时，我们用雨刷声音的音调变化来与这一情感状态相呼应。

总结来说，这个声音元素是我们从同期录音中发现的一个亮点。我们觉得：“太好了！我们可以用这个声音来创造一个‘配乐’时刻。”于是我们挑选出对我们有用的部分，并运用声音编辑工具对其进行处理，使其形成我们想要的弧线，用来呼应这个场景的情感基调和整体氛围。

然后，John随后从同期录音或音效库中提取了其他片段，进一步增强了那个装置声音的机制感，为其赋予了更多的层次感，使它从一种冲击力强、刺耳、让人烦躁的声音，逐渐转变为一种包裹住我们的平静感受。

在混音的过程中，我们通常会按照一种相对线性的方式工作。我们从电影的开头开始混音，一路推进下去，完成一个初步版本，然后再回头重新调整。某些场景可能需要更多的关注，我们会再回到这些场景中进行处理。但这些针式插入的音乐是一个不断变化的元素，原因多种多样。所以当有新的音乐插入进来时，整段场景可能需要重新混音。

就像你说的，这些音乐片段总是具有情感上的功能。这也是为什么它们会被替换——当音乐监督为Sean找到了一个比我们当前使用的更合适的选项时，他会说：“伙计们，我们得换掉它，因为这个新的能以最好的方式传达我想要表达的意思。”

在将这些音乐混入电影的过程中，我们确实会在技术层面上来回调整。但正如你提到的，它们绝对是在支持观众通过对白和画面所感受到的情感，或者有时它们会形成一种对比，提供一种与画面或情节相反的对立情绪。

所以，我们基本上就是遵循Sean的指引。他认为哪个音乐片段最适合那个时刻，我们就找到一种方式把它塞进去，并以一种尽可能贴近现实主义的方式呈现它。

因此，这些音乐片段通常会被混入场景中，成为环境的一部分，背景的一部分。在少数情况下，我们会用一种更主观或更像配乐的方式使用它们，但这种情况并不多见。

John Warren：这部电影中另一个有趣的地方是，很多场景是以纪录片式的风格拍摄的。所以它并不像一个传统的电影拍摄现场。更像是“这是真的，这件事正在发生”。在某些场景中，比如Tatiana的那个场景，那实际上是一个正在举办的派对。

所以当时的音乐是真实的音乐，是现场正在播放的音乐。有时候我们可以掩盖掉这些音乐，如果它不适合的话。但这部电影另一个有趣的地方在于，这并不是一个“安静的片场”，而是场景中有很多事情在同时发生。我觉得这增加了现实感，让它更有趣，也为场景增添了一些混乱感，这正是Sean Baker的风格。

这让整个过程非常有趣，但在某些方面也带来了挑战。

John，这其实让我想到了下一个问题，因为你刚才提到的内容确实触及到了Sean Baker风格中非常独特的一点，尤其是在《Red Rocket》中，那种类似纪录片现实主义的手法。

这种手法不仅仅体现在音乐上，还包括那些重叠的声音，特别是对白的重叠、谈话的重叠。你刚才也提到，这确实带来了挑战。你能不能再详细说说，这种挑战的本质是什么？你们是如何应对的？这是不是一种和Sean的合作？比如，我确定在某些情况下，你们可以选择把焦点放在这段对白上，而不是那段对白上。那么你们是如何决定何时进入或退出某些对白的？以及何时让声音“渗透”或不“渗透”？像是你提到的Tatiana的派对场景，或者片头的夜店场景，这些场景中肯定有很多决策的空间，你们是如何处理这种声音重叠的“混乱交响曲”的呢？

所以这确实是一个挑战。从一开始，这就是一个挑战。这基本上是一种“舞蹈”，而Andy在这部电影中最大的角色就是让这场“舞蹈”得以实现。

我们并不总是能获得单独的音轨，所以重要的是强调我们想让观众听到的内容。有时候会有多个对白同时进行，我们需要和Sean提前进行大量的讨论，因为我们并不总是知道他想让哪个对白成为焦点。比如某个人在说某件事，而他可能会说：“不，我其实想让观众听到这个。”这就像在Tatiana厨房的场景里，每个人都在说话，而我们必须挑选出重点。

在混音过程中，有些时候Sean会说：“不，其实我要的重点是那个人的台词。”即使镜头并没有对准那个人，甚至他可能不是场景的焦点，但Sean是一个非常注重讲故事的人。在这个过程中，他的想法可能会发生变化，比如我们可能会添加一段对白，或者对之前的内容进行调整。即便是和音乐相关的内容，这一切都和他的叙事方式紧密相连。他在看到整部影片的全貌后，会使用这些工具来强化故事表达。

Sean工作的方式和别人很不一样。他从不制作粗剪。他从头开始，一直工作到最后。通常电影制作会有粗剪版，进行试映，收集反馈，然后修改。但Sean的方式是完全线性的。他这样工作时，有时候我们甚至在影片的最后一个小时还未完成剪辑时就已经开始混音了。这既让人兴奋，也充满挑战，但最终，它让一切都变得鲜活起来。

Andy Hay：接着John刚才说的内容，并回到你最初关于对白重叠的问题。在一部非Sean Baker的电影中，如果有大量的对白重叠，通常这些对白并不是在片场同一时刻录制的。它们通常是从多个不同的角度、多个不同的镜头拍摄后，在视频剪辑过程中叠加到一起的。这种方法会让你对想要突出哪一段对白拥有无限的控制权，可以随意“对焦”到某个特定的声音上。

但在Sean的电影里，情况完全不同。那些你听到的重叠对白，其实就是当时房间里真实发生的事情。在整部电影中，几乎没有任何时刻是通过把多个拍摄的素材叠加起来制造出对白重叠效果的。这完全是因为Boris（我们的现场录音师）做得非常出色，他用吊杆麦克风和独立轨道录音捕捉到了房间里每一个人的声音。所以，我们有了所有这些音轨的层次，之后在混音时，我们需要通过大胆的调整，让某个人在某个时刻的几句话被听到，然后再跳转到另一个人。

我觉得一个非常好的例子是那场戏：当所有人都冲回总部（HQ），也就是那个脱衣舞俱乐部，寻找Ivan的时候。Annie在餐厅收到一条短信，说Ivan在总部。于是他们赶紧回去，穿过俱乐部，进入后台的房间，而此时Diamond正在给Ivan跳大腿舞。

在这个场景里，Annie完全全力以赴，对Ivan喊着：“我们不能离婚，留在我身边！你站哪边？”而Ivan显然喝醉了，根本没怎么注意她。Annie有她的目标，Taurus也有他的目标——他是来促成离婚的，他要让这段婚姻无效。与此同时，Garnet就在背景里晃来晃去，他吃了止痛药，完全神志不清，但又时不时冒出几句台词。这些台词是Sean希望点缀在其中的，因为我们需要通过Garnet传递出这场戏的荒诞感。

然后你还有Diamond在角落里，她也有几句台词需要突出。所以在这个场景中，每个角色都有自己的任务，有自己的台词需要被听到，而我们需要确保观众能够捕捉到每一个人的声音。

这一切完全来自于当时场景的真实录音，没有任何通过叠加不同录音素材制造的“技巧”。我们通过一种更大胆的编辑和混音方式来实现这一点。我们通常会用“对焦”这个术语来形容，但实际上就是在特定的时刻让每个角色的声音被听到，从而推动故事向前发展。

我真的非常热爱这些作品，非常热爱这些电影。而且每次我们完成一部影片后，我都会说：“这是我最喜欢的一部！”我每次都会这么说，我想未来我还会继续这么说。所以，纯粹作为一个观众，我只能说，Mikey的表演太令人难以置信了。你怎么能不爱上这个角色呢？她真的太棒了。她的动态表演范围——从她作为演员的能力来看，真的是无与伦比的。她的表演真的让人看得非常过瘾。

我们通常与演员的直接接触不会太多，除非他们来录制ADR（后期对白补录）。所以我们并没有和Mikey或其他演员有很多直接互动。这也是Sean电影的一贯风格。他并不喜欢进行大量的ADR，因为他希望电影呈现的是当天拍摄时的真实效果。

只有在录音出现非常罕见的技术性问题时，我们才会为ADR提出需求。但即便如此，我们通常还是会尽量处理当天录制的素材，尽可能利用现有的资源。不过话说回来，Mikey确实来录制过一些ADR，主要是为了一些故事点做小调整，或者修改几句台词，还有一些极少数的技术性问题。她绝对是一个非常可爱、非常优秀的人，非常专注于手头的任务。在ADR录制时，你可以清晰地感受到她的专注和全身心投入。

John Warren：非常有魅力的人。你能感受到这种人身上散发出的能量。

Andy Hay：她就是一位电影明星，她身上有种魔力。从我们的角度来看，与这样的人共事真的是一种享受。这也是Sean作为电影制作人不可思议的能力之一。例如，在《Red Rocket》中，电影里只有两位是专业演员，其余的全是Sean从街头“捡”来的。他就是有这种天赋，能精准地判断谁适合某个角色。

我不想说得太过，也许是在《Anora》的剧本创作阶段，或者甚至是构思阶段，Sean可能通过《Once Upon a Time in Hollywood》或者她的其他作品发现了Mikey。我想他当时就知道：“就是她了。” 然后他追逐她，积极争取她。最终，他得到了她，而她也确实是这个角色的最佳人选。所以，这就是我们现在看到的成果了。

是的，看到你们受到这样的关注真的很棒。你提到你和Sean合作了一段时间了，我觉得即使是Simon Rex在《Red Rocket》中的表演，也给人一种类似的震撼感。他是一位受过训练的演员，也许我们都对他有一定的了解，但当时我们可能会想：“我不知道他还有这样的能力。” 他确实做了一些非常特别的事情。虽然当时可能没有获得像现在《Anora》和Mikey那样的主流奖项关注，但看到《Anora》获得这些赞誉，看到Mikey以及你们所有人取得的成功，真的让人感到兴奋。所有关于这部电影的成功都显得非常激动人心。

就像我说的，我是一个超级粉丝。我还有最后一个问题。这部电影我一直说它“非常有趣”，这在某种意义上可能是个奇怪的说法，因为它确实涉及一些沉重的主题，而且显然展示了边缘化群体的生活经历。但我真的觉得Sean在这部电影中，以及你们所有人，在其中注入了一种非常独特的乐趣。这种感觉让我联想到像《After Hours》这样的电影，以及那些关于城中疯狂夜晚的荒诞情节。它的核心有点像是一部喜剧冒险片。

所以我很好奇，你们的灵感来源是什么？我刚才提到了一部让我想起的电影，但在制作过程中，你们的思路是什么？你们是如何将这部电影既打造成一部喜剧，同时又带有更深层次内涵的？

我觉得这种氛围对我们在混音时的工作也有很大帮助。我们在工作中也玩得很开心。我是一个超级喜剧迷，我非常喜欢科恩兄弟的作品。我刚看了一部Sean推荐的电影《Used Cars》，那部电影非常棒。制作这些电影真的很有趣，特别是这一次我们可以更放开手脚玩得更尽兴。有些地方甚至带有一点滑稽，比如Taurus吐在自己身上的那一幕，整个感觉都是轻松的、有趣的。所以在这一点上我们有更多的自由，这让整个过程非常有趣。

Andy Hay：是的，在那些喜剧性的片段里，我们非常努力地去探索声音上可以做到的极限。我们会尝试各种方法，有时候可能会过头，然后再退回来，找到那个最合适的平衡点。因为归根结底，Sean的确是在拍一些沉重的电影。就像你提到的，他的电影关注边缘化群体，那些被忽视的人们，并向世界展示他们也值得同样的关爱和关注。但从某种程度上说，他其实也在拍喜剧。

这种对比真的非常美妙，你可以提供给观众一段有趣的旅程，同时又在某些地方触及沉重的话题。就像John刚才说的，我们的混音过程是非常流动且动态的。它并不是那种“先进行声音编辑，然后把编辑好的声音带到混音阶段，我们再用现有的素材尽力而为”的流程。我们的工作环境更加开放和动态，我们所有人都会在同一个舞台上，包括Sammy和Alex Coco，他们是制作人，经常和Sean一起工作。房间里的每个人都有发言权。

所以当我们处理一个场景时，会有人说：“这个地方可以更有趣一点。” 或者“这个地方可以更悲伤一些。” 或者“这样处理可能会更好。” 这些建议可能来自我们中的任何一个人。

所以我们会暂停下来，可能会停下机器。然后John和我会转过身，花5到10分钟讨论为什么某些地方应该这样处理，或者那样处理，或者稍微有所不同。这会让我们的大脑开始运转起来，然后我们会重新回到一种更偏向声音编辑的方式，在舞台上继续混音工作。

我们给自己留出了这种自由和灵活性。我认为这对电影制作人来说真的非常有利，因为整个环境完全不那么死板。我们不会盯着时钟看。是的，我们只是尽量让整个过程保持轻松有趣的氛围。

太棒了。这部电影的方方面面都体现了你们的努力。这是我所有的问题了。关于你们在这部电影上的工作，或者任何最后的想法，你们还有什么想补充的吗？

我觉得《Anora》对我们来说是第一部Sean完全信任我们去开始构建声音设计的电影，而他给的输入并不多。在《Red Rocket》中，他为我们提供了一个更加清晰的声音方向和想要实现的目标。而我们在《Red Rocket》的基础上进行了扩展和完善。然而到了《Anora》，情况基本是这样的：“这是影片，这是对白轨道，你们去做你们的事情吧。”

通过《The Florida Project》和《Red Rocket》，我们之间建立了一种信任关系。对于我们来说，这种信任非常有意义。Sean现在可以直接把这些元素交给我们，并对我们说：“去做你们的事吧。” 这让我们有了自由和乐趣去完成我们的工作，并最终呈现出一个似乎能与观众产生强烈共鸣的结果。所以，我们感到无比幸运和开心能够参与其中。

John Warren：而且我们很激动这部电影能够触及如此广泛的市场，因为你永远不知道一部电影会如何与观众产生联系。《Red Rocket》非常棒，我们都非常喜欢那部电影。而这部电影似乎在更大的层面上引起了共鸣，这对我们来说非常有趣。看到这么多人欣赏Sean的作品并了解他，对我们来说真的很振奋。